Teodolinda Varisco

TEODOLINDA VARISCO in arte L50 Nata e vive a Monza dove insegna. Figlia di MARIO VARISCO futurista, allievo dell’I.S.I.A. (“Scuola d’Arte Europea” come la definisce la R. Bossaglia) e poi di Brera. Teodolinda ha modo fin da bambina di incontrare l’invito bonario del padre che la zittisce e con rigore la invita a dipingere, o meglio ad esercitarsi al tratto, dopo aver visto questo o quel luogo. Tale lezione la insegue fino all’incontro con il Priore di Barbiana (n.d.a.: don LORENZO MILANI) e poi con il confronto con altri maestri di Idee. L50 compiuti gli studi magistrali continua a dipingere e ha un’esperienza significativa di lavoro in fabbrica che la arricchisce, comprende così “il mestiere di vivere” e la forza della vita la trasmette in arte!. Forza anche a contatto con la natura della montagna mettendo le mani sulla roccia con tanti compagni che hanno scritto belle pagine nella storia dell’alpinismo. Nelle produzioni giovanili si rifà a ROUAULT, poi l’esito formale risente di un cromatismo acceso che si avvicina all’espressio-nismo tedesco della Scuola del “Ponte”, “Die Brucke”. Realizza colate laviche di colore che richiamano al gusto forte dei “Fauves” francesi. In molti soggetti c’è l’insistenza a descrivere come gli espressionisti della Scuola di Dresda la “soggettività” dell’uomo che deve andare verso gli altri contro quella morale, ancora oggi diffusa, attenta al solo “Scopo”, o “Interesse”. “La grandezza dell’uomo è di essere un ponte, non uno scopo” (Scuola di Dresda). La brutalità in certi tratti dell’impasto che risulta materico per lo più contornato da toni neri ci indica l’incisività di quel tratto che è immediato: gettato direttamente dal tubetto ed impastato con le dita... E’ davvero una pittura “primitiva” che somiglia ad un antico graffito. In ultimo L50 si è dedicata ad esperienze surrealiste e Dadaiste ed in molte sue composizioni l’utilizzo di materiali di recupero indica un bisogno di ampliare l’espressività di un tratto che cede ora a: colonne di giornale, sassi del mare, ossi di seppie, arbusti o gusci di echinoderma e fili elettrici sempre lì su un supporto bidimensionale che definitivamente si trasforma a contenere delle “immagini Meta-scultoree”... Questa della Varisco è l’esperienza più pura di chi non inventa “tutto”, ma trova già in partenza. PARKINAS diceva che “L’arte nasce dallo stupore per la sacralità della vita e della Natura!” e così Teodolinda ha affermato questa sacralità in ogni sua tela cogliendo e definitivamente fermando il “verum”. La pittrice ha accolto appieno la lezione di BENEDETTO CROCE (in “Estetica come scienza dell’espressione e linguistica generale”): “Ogni vera intuizione o rappresentazione è insieme espressione... Lo spirito non intuisce se non facendo, creando o formando. Chi separa l’intuizione dalla Espressione non riesce mai a congiungerle”. Si può concludere con una frase di VINCENT VAN GOGH “Il pittore del futuro è il pittore colorista come non c’è ancora mai stato.” Segue una presentazione di CRISTINA MARCHETTI, critico e storico dell''arte "GAUGUIN, IL PADRE STORICO Teodolinda è unica: sfugge, Ella qualunque categoria espressiva morale o storica per essere semplicemente se stessa dopo un’intuizione di verità e in ogni sua opera ricomincia dall’inizio. E’ come se ogni volta che dipinge, si riflettesse daccapo nella sua nuova opera come in uno specchio per trovare un inizio e una fine nello sviluppo dell’intuizione che l’ha condotta al momento creativo così come alla sua conclusione. Ed ogni fine è anche un nuovo inizio: un percorso continuo nella progressiva chiarificazione dei propri intenti estetici. Gauguin si comportava nella stessa maniera: troppo “fauve” per essere dichiarato realista, troppo colorista per essere un artista dell’espressione, troppo “art nouveau” per definirsi primitivo; semplicemente Gauguin, se stesso. Il recupero del primordiale, del puro gesto segnico, della scultura tradizionale negra sono tutte tappe iniziali volte a dimostra re l’unicità di un fare arte nel quale Gauguin ritrova le sue radici e riafferma un valore nuovo in cui riflettere il proprio vissuto espressivo ed estetico; è come se ad un tempo rileggesse la storia che lo ha preceduto trovandone però un superamento per riproporla in una veste nuova con una lettura personalissima che dà come frutto ultimo un capolavoro. E’ il caso della tela dalle ampie dimensioni “D’où venons nous, que sommes nous, où allons nous?” (1897, 141x376cm, olio su tela, Museum of Fine Arts, Boston ), la più emblematica di Gauguin ,anche perché non a caso venne prodotta nell’anno stesso del tentato suicidio, in un momento dunque di profonda prostrazione interiore. L’andamento ciclico di questo mirabile affresco del mistero dell’esistenza umana se da un lato ricorda la linea fluida e appassionata della “Primavera” di Botticelli dove il gesto di Mercurio è richiamato dal gruppo delle donne che raccolgono la frutta, d’altro verso questa magnifica allegoria vive di vita propria nell’affermazione dell’ineluttabilità ciclica della vita fatta di nascita, dolore, amore, morte e nella conseguente affermazione della futilità di ogni pensiero. Gauguin stesso la definirà “opera filosofica” ,tagliando corto con coloro che volevano ad ogni costo attribuirle significati alchemici o trascendenti. L’arte è solo ciò che appare ed essa è sempre frutto di una mancanza, di una sofferenza. Tale concetto era già stato ben espresso otto anni prima nel “Christe jaune”, mole piatta, statica su di un fondo assolutamente plastico, decentrato rispetto alla prospettiva tradizionalmente intesa. Pie e devote, alcune contadine bretoni; nella loro primitiva semplicità ringraziano solo di essere al mondo; Cristo è per tutti. Questa democraticità della spiritualità in cui ogni animo predisposto naturalmente alla religiosità può di per sé abbeverarsi alla fonte di salvezza di Cristo, l’uso dei colori reso con campiture accese liberamente accostate, il gesto estetico reso alla portata di chiunque abbia il più piccolo desiderio di accostarvisi, un’arte nata da una sofferenza. Sono questi tutti elementi presenti nell’opera di Teodolinda che medita sul significato dell’esistenza e si pone la domanda “da dove veniamo?”, sempre rimanendo fedele a se stessa. In quadri come “Partenza” (1997, olio su tela, 50x90cm) e “Promontorio verso l’assoluto” (1997, olio su tela, 50x70cm), una sola è la protagonista: la creatura umana che confrontandosi con la magnificenza della natura espressione della divinità che pervade l’intero universo, si domanda la ragione del proprio esistere e la meta del proprio spirito errante: come le contadine bretoni contemplavano il Cristo giallo, così l’uomo si sprofonda nella contemplazione della natura, delle onde marine o di un piccolo lembo di terra bagnato dai flutti si chiede quale sia il proprio posto in tanta vastità e vede le meraviglie che il creatore ha plasmato. Ma l’uomo, così come nell’allegoria di Gauguin non è mai staccato dalla natura, accetta semplicemente di farne parte in un ciclo ineluttabile e inscindibile con il destino che Dio ha scelto per lui. Oltre l’orizzonte che divide il cielo dalla terra e lascia presagire l’eterno in “Partenza” lo sguardo va a cercare l’universo senza confini e il senso del tutto. Per poi scoprire di averlo già dentro se stesso. Dr.ssa CRISTINA MARCHETTI (Storico dell’Arte, Editorialista)"